Список мультфильмов Александра Петрова не очень длинный, но абсолютно каждая его картина – событие в мире авторской анимации. Лауреат и трижды номинант на премию «Оскар», обладатель множества престижных анимационных премий, Заслуженный деятель искусств РФ, член Международной ассоциации аниматоров и Американской киноакадемии – аниматор с мировыми именем, работающий на собственной студии в Ярославле. Рассказываем о творческом пути и всех анимационных работах Александра Петрова.

Увлечение рисованием и первые шаги в профессии

Александр Петров родился 17 июля 1957 года в деревне Гуреево Ярославской области. Его мама по профессии была торговым работником, а отец – шофером. Семья переехала в Ярославль, где прошли школьные годы мальчика.

Рисованием Саша увлекся в детстве. В школе он участвовал в различных конкурсах, разрисовывал спортзал рисунками спортсменов, рисовал открытки, эмблемы и флаги для школьного клуба интернациональной дружбы.

«В школе у меня было прозвище – «художник», — вспоминает режиссер. —  Я рисовал, видимо, много. И меня отправили в художественную школу, видя, что человеку, просто-напросто, не хватает бумаги. И тогда же, помню, увидев фильм Вадима Курчевского «Мой зелёный крокодил», я разревелся и понял, что в анимации можно ожидать не только пустяков, что она может и растревожить душу, и ранить, и вынуть сознание. Наверное, это был первый толчок. Тогда я попался».

Закономерным шагом стало окончание Ярославского художественного училища в 1976 году, а после него и художественного факультета ВГИКа в 1982-м. Петров учился в мастерской классика отечественной анимации  — Ивана Петровича Иванова-Вано, режиссера известных всем мультфильмов «Двенадцать месяцев», «Конек-горбунок», «Сказка о царе Салтане» и многих других. Уже в качестве дипломной работы Петров выбрал непростой материал – создал серию карандашных рисунков к фильму по мотивам «Божественной комедии» Данте.

Постепенно Петров начал осваиваться в профессии, работая в 1981-1982 годах художником-постановщиком мультфильмов на студии «Арменфильм» в Ереване, затем в течение 10 лет (1982-1992) на Свердловской киностудии. Среди его работ тех лет мультфильмы «По щучьему велению» (1984), «Воробьишко» (1984), «Сказка про козявочку» (1985), «Добро пожаловать!» (1986). Петров считает, что это было время, когда он прошел практическую школу анимации, благодаря которой смог найти собственный путь.

Параллельно с работой он пошел учиться на Высшие курсы сценаристов и режиссеров, где попал в мастерскую к еще одному классику и легенде отечественной анимации – Федору Савельевичу Хитруку.

«Корова» — режиссерский дебют

Первый раз в роли режиссера Петров выступил в тандеме с Михаилом Тумелей: они создали очень остроумную короткую курсовую работу «Марафон» (1988), посвященную 60-летию Микки Мауса.

Но, конечно, полноправным режиссерским дебютом для Александра Петрова стала выпускная работа «Корова» (1989) — экранизация одноименного рассказа Андрея Платонова. «Я сначала делал раскадровку по эпизоду Василия Белова. Повесть «Привычное дело», — вспоминает режиссер задумку фильма. — Фрагмент о корове, которую завтра должны зарезать. Умерла хозяйка, и некому содержать ее, в общем, там довольно драматичная была ситуация. Корова не знает, но чувствует свою будущую гибель. И она вспоминает свою жизнь. И вот это воспоминание меня заворожило, и я попробовал сделать раскадровку, еще учась на Высших курсах сценаристов и режиссеров. Из этого выросла «Корова».

Однако после встречи с Владимиром Петкевичем, с которым они ранее работали над мультфильмом по Платонову («Ночь», 1984), Петров понял, что выбрал неверную основу. Именно у Платонова нашлась та история, которую он искал. Из рассказа «Корова» он исключил несколько неподходящих для мультфильма сцен, сосредоточившись в большей степени на личной драме мальчика и несколько мистической стороне их отношений.

«Корову» можно рассматривать как начало начал и в плане выбора техники живописи по стеклу, и дальнейших экранизаций (все мультфильмы Александра Петрова имеют литературную основу), и выбора моделей для главных героев. Так, мальчик в «Корове» был срисован с сына режиссера Димы; подросший ребенок стал персонажем мультфильма «Русалка», герой мультфильма «Сон смешного человека» — оператор Сергей Решетников, а прообраз старика Сантьяго из экранизации Хэмингуэя «Старик и море» —  тесть режиссера.

Дебютный фильм принес Петрову первую номинацию на Оскар, а так же множество других наград. 

«Сон смешного человека»: поиск вдохновения

Второй работой стала экранизация рассказа Достоевского «Сон смешного человека» (1992). На примере этого мультфильма интересно изучить творческий метод режиссера в части создания визуальных образов, поиска референсов и источников вдохновения.

Петров выбрал Достоевского в качестве литературной основы по нескольким причинам. Во-первых, привлекала идея поработать с литературой подобного уровня, во-вторых, рассказ сам по себе достаточно выразительный, и при всей сложности описываемых чувств, имеет все необходимые для построения сюжета элементы: интригу, динамичное действие, яркий антураж. Создавая визуальную часть, Петров старался не цитировать конкретных художников, не заимствовать известные образы, и в целом не ограничивать свое воображение одним-двумя референсами. Режиссер предпочитает опираться сразу на несколько примеров, не используя ни один из них в точности, стремится выразить на экране исключительно свой собственный взгляд.

«У меня висело несколько иллюстраций, которые я повесил для того, чтобы вдохновляться. Это был Клод Лоррен, французский художник. Я его повесил не потому, что любил, хотя он мне нравился, я просто прочитал, что Достоевский души не чаял в этом художнике и считал, что это единственный художник, который передал ощущение золотого века, той гармонии, которую человечество имело и утратило и к которой оно стремится все время приблизиться. Или удалиться, — объясняет режиссер в одном из интервью. — Фильм-то о золотом веке, и мне казалось, что раз Достоевский считает, что Клод Лоррен соответствует идеалу, то я и развешу эти картинки. Но нет ни одной стилизации Клода Лоррена в фильме, нет ни одного пейзажа, нет ни одного куска его работ, который косвенно присутствовал бы в фильме. Не то чтобы я специально этого не делал, но мне кажется, что нет необходимости тащить какого-то художника за уши для того, чтобы с его помощью передать какие-то мысли, идеи. Я пытаюсь все-таки изобретать образы, знаки, символы, композиции, это гораздо интереснее. Хотя «Смешной человек» — это наглядное пособие, — все мои любимые художники, они все там. Можно, наверно, угадать и Рембрандта, можно и Гойю увидеть, можно и Брейгеля. Ясно, что все это каким-то слоем присутствует, но не цитатами».

Особую долю драматизма в «Сон смешного человека» привнес голос Александра Кайдановского, которого Петров долгое время уговаривал поучаствовать в создании мультфильма.

Среди престижных наград, которых удостоился «Сон смешного человека», премия за лучший фильм анимационного фестиваля в Аннеси, а также призы и почетные места анимационных фестивалей в Канаде, Германии и Португалии.

 «Русалка»: малоизвестная экранизация

Еще одна номинация на «Оскар» и множество наград принес Александру Петрову следующий фильм – «Русалка» (1996). История получилась очень волнующей, драматичной, и даже немного пугающей.

Петров часто называет этот мультфильм в числе своих любимых. Немногие знают, что это тоже экранизация, метафоричным образом переписанный сюжет «Бедной Лизы» Николая Карамзина. Идея родилась спонтанно, из найденных старых рисунков, сделанных во время учебы на ВКСР. Тогда Петров в качестве курсового задания делал раскадровку к экранизации «Бедной Лизы». Обнаружив рисунки через несколько лет после окончания курсов, он решил, что из этого может получиться неплохой мультфильм, но сюжет и атмосферу значительно поменял. Прежде всего, это история страсти, искушения, искупления, юности и старости, идущих рука об руку друг с другом, история предательства и обид, любви и страданий. «История бедной Лизы сократилась до совершенно маленького эпизода. Вся эта история, она… я это называю винегретом литературным, там много чего — и Пушкин, и история про Лорелею, и история самоубийцы, которая не может успокоиться, которая должна все время являться в мир, чтобы мстить, совращать. В этом ее успокоение. Мне хотелось эту историю немного развить», — поясняет режиссер.

В качестве прототипа молодого монаха, как уже упоминалось выше, Петров взяв своего сына, а вот для образа старого монаха конкретного прототипа не нашлось. Режиссер использовал несколько разных референсов: «Я искал старика и так и не нашел его в жизни. У меня было несколько фотографий разных стариков: один — монах, другой — художник, еще кто-то. Похожие все, бородатые, но все разные. Среднее между тремя этими живыми людьми я попробовал сделать. Это, кстати, иногда удачно, иногда нет. На самом деле, если посмотреть по фильму, старик у меня все время разный в разных кадрах. То он чуть-чуть Лев Толстой, то он чуть-чуть Достоевский, то Серафим Саровский, то отец Сергий. Не получилось цельного образа».

«Старик и море»: зрелищная притча

Несмотря на годы становления в профессии, внушительный список работ, десятки номинаций на международные премии, широкая известность пришла к Александру Петрову только с выходом мультфильма «Старик и море» (1999), удостоенного премии «Оскар» в категории «лучший короткометражный анимационный фильм» в 2000 году. Экранизация рассказа Хэмингуэя проходила в необычном для режиссера формате. Во-первых, он работал в Канаде, куда его пригласили специально для съемок мультфильма. Во-вторых, ориентировался на широкий кинотеатральный прокат и показ фильма в технологии IMAX, что потребовало съемки на широкоформатную пленку.  На создание мультфильма ушло 30 месяцев.

До начала съемок Петрову удалось побывать на Кубе в тех местах, где жил Хэмингуэй. Погружение в атмосферу помогло в создании фильма. Рассказ о старике, всю жизнь пытавшемся поймать огромную рыбу, его борьба с океаном, с силами, намного превосходящими его собственные, преклонение перед величием природы, и поиск собственного предназначения вылились не просто в драматическую историю, но и философскую медитативную притчу о мироощущении, силе духа и гармонии жизни.

 

По словам режиссера, ориентир на массовый прокат и широкую публику повлиял на сюжетную сторону: возникла необходимость создания более зрелищных эффектных сцен, которые должны потрясти воображение зрителя. В одном из интервью Петров рассуждает о том, каким мог получиться фильм, если бы съемки проходили в России: « Я бы точно не стал его делать на Кубе, перенес бы действие на Север, на Белое море или Баренцево, я бы историю рассказал про поморов-стариков. Думаю, наверняка такие истории были. Просто я бы всю эту историю нарядил в русские посконные рубахи, и всё было бы, наверно, с северным серебристым колоритом, похоже на «Русалку». 

Адаптация Шмелева – «Моя любовь»

Следующей литературной основой для мультфильма был выбран роман Ивана Шмелева «История любовная». Когда Петрова спрашивают, почему все его ленты – экранизации, он отвечает, что мало может придумать сам. На деле же все его экранизации – не просто перенесение на экран уже написанных кем-то слов. Это огромный труд, в котором очень много места вдохновению, воображению, художественному профессионализму и тонкому чутью, которые подсказывают режиссеру верные решения. Съемки фильма «Моя любовь» (2006) заняли три года, и впервые к созданию была привлечена команда других художников, а в процессе использованы компьютерные технологии.

История первой любви – порывистая, пронзительная, нежная, полная нюансов, перемен в настроении, ощущении себя и мира вокруг – непростой материал для визуального воплощения. В фильме много городских пейзажей, деталей быта XIX века, и вместе с тем изящных штрихов, которые позволяют выразить душевное состояние влюбленного юноши, его метания между любовью взрослой и детской. Это гармоничное сочетание на экране мира фантазии (мыслей, чувств, переживаний) и реального мира. «Я всегда стараюсь совместить реальность с вымыслом. Для меня это – любимый художественный прием, — рассказывает Петров. — Мне нравится через сон, через «электрошок» воспоминаний найти образ и передать состояние героя или подчеркнуть философскую мысль».

Моделями для главных героев для этого мультфильма стали сын его продюсера  и актриса Татьяна Друбич.

Картина принесла Петрову гран-при XII открытого фестиваля российской анимации и фестиваля «Послание к Человеку», премию Ника-2007 в номинации «Лучший анимационный фильм» и еще одну номинацию на «Оскар» в 2008 году.

Ожившая живопись

Все авторские мультфильмы Александра Петрова созданы в технике масляной живописи по стеклу. В этой анимационной технике работает небольшое количество режиссеров, так она считается чрезвычайно трудоемкой.

 

«Я рисую свои фильмы на белом матовом стекле, — объясняет режиссер. — Краску наношу прозрачным слоем (или несколькими слоями), причём не кистью, а пальцами. Рабочее поле примерно формата А3 подсвечено специальными лампами. Мы снимаем одну фазу движения персонажа, а затем стираем его и рисуем следующую. Фон остаётся неподвижным, как декорации в театре. Но если нужно, скажем, как в «Старике и море», передать движение океана, фон тоже приходится рисовать каждый раз заново».

Буквально для каждой смены фазы картина чуть подправляется, меняются детали, а некоторые части перерисовываются заново. Таким образом, для одной секунды анимационного фильма нужно сделать от 12 до 20 рисунков. Для 1 минуты фильма необходимо нарисовать более тысячи картин. После того, как нарисованная сцена снимается, картина исчезает – ее попросту стирают со стекла, чтобы нарисовать новую. Тогда как после съемок обычного рисованного мультфильма остаются сотни рисунков, эскизов, положений героев в разных позах, живопись на стекле существует в моменте и фиксируется только камерой (за исключением, конечно, некоторых рабочих материалов, выполненных в подготовительный период).

Для прорисовки и выравнивания мелких деталей используются кисти или тонкие палочки, но  основным инструментом художника Петров считает пальцы – они всегда при тебе.

Живописный стиль Александра Петрова реалистичен. Часто можно встретить рассуждения о том, считать ли его картины в полной мере анимационными, ведь рисунки настолько точно воссоздают реальный мир. Но, безусловно, в истории анимации немало примеров реалистичного изображения, например, техника ротоскопирования, опирающаяся на съемки живых актеров и покадровую перерисовку их движений, к которой тоже иногда прибегает Петров.  Мультфильмы режиссера, благодаря выбранной технике, имеют очень узнаваемый авторский стиль. Изменение положений героев и предметов в его картинах можно сравнить с порывами ветра или тонкой рябью, бегущей по воде – причудливые переливы красок, плавные движения, детализированный окружающий мир – будто мелодия, выраженная через рисунок.

Последние работы – коммерческая анимация рекламы, ролики, заставки

В последние годы Александр Петров занимался, в основном созданием анимационных роликов или заставок для различных мероприятий, студий, кино и сериалов. Например, сделал новогоднюю рекламу Schwarzkopf (2007), ролик к 175-летию Российских железных дорог (2012), ролики для церемонии открытия XI Паралимпийских зимних игр (2014) и заставку сериала «Домашний арест» (2018).

Сейчас режиссер работает над новым анимационным фильмом об Александре Невском – «Князь», выход которого намечен на 2025 год.

Мультфильмы и другие работы Александра Петрова доступны к просмотру на Платформе авторской анимации по адресу https://multanima.ru/ в рубриках «Персоны» и «Студии».

Заглянуть в его мастерскую и подробнее узнать о сложной технике живописи на стекле можно, посмотрев мастер-класс «Ожившая живопись. Рисунок под камерой», который для Платформы авторской анимации провела Маргарита Ивановна Нагибина, художественный руководитель центра анимационного творчества «Перспектива» в городе Ярославль (раздел «Мастер-классы»).